¡Buenas noticias! Después de mucho esfuerzo y cariño, Alumbra Rural lanza su plataforma digital, un punto de encuentro pensado para artistas, proyectos e instituciones que ponen el foco en el medio rural y en la creación cultural. La Plataforma de Alumbra Rural es un espacio online que conecta y da visibilidad a artistas, gestores culturales, agentes locales y espacios que trabajan desde o en relación con el entorno rural. También ofrece recursos para fortalecer la práctica artística: herramientas útiles, formación y contenidos vinculados a la cultura y la sostenibilidad. A partir de este lunes, los usuarios podrán: acceder a la web y completar su registro, crear un perfil para presentar su trabajo y trayectoria, consultar materiales y recursos útiles para la práctica artística, participar en foros destinados al intercambio de ideas, experiencias y oportunidades y mantenerse informados sobre las novedades del programa Alumbra y su expansión en el territorio. Detrás de este proyecto hay un trabajo conjunto de muchas manos e ilusiones. La plataforma ha visto la luz gracias al apoyo del Ministerio de Cultura (Innovación 2024-2025 de Industrias Culturales), la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha , los Fondos Next Generation , y la asesoria de Triad'Art , la participación de la compañía La Abandonada y, cómo no, de todos los artistas y profesionales que han pasado por la primera edición del programa. ¿Te gustaría formar parte? Es tan fácil como crear tu perfil en la web. Toda la información aquí disponible . Sobre Alumbra Rural Alumbra Rural es un programa de residencia artística que celebró su primera edición en Alcaraz (Castilla-La Mancha), reuniendo a 19 jóvenes creadores multidisciplinares de entre 20 y 35 años. Del 1 al 13 de septiembre de 2024, los participantes convivieron en la casa-palacio de Atalaya, donde exploraron el entorno rural como fuente de inspiración y material creativo, combinando arte contemporáneo y tradiciones locales. Desde junio de 2025, las obras de los artistas se exhiben en diversos espacios culturales asociados a Castilla-La Mancha, y el proyecto culminará con una gran muestra colectiva en el Museo Provincial de Albacete (octubre 2025), que reunirá los procesos y creaciones surgidos de esta experiencia.

El pasado 5 de junio, la artista Nené Rodríguez , integrante del programa Alumbra Rural, fue galardonada en la XI edición de los Premios y Muestra Mujeres en el Arte "Amalia Avia" , un reconocimiento que subraya su trayectoria en torno a la memoria, la gráfica contemporánea y el dibujo. Este premio consolida su proyección en el panorama artístico emergente y refuerza el impacto de su práctica en contextos tanto urbanos como rurales. Ya inauguramos la exposición Desde los ojos de un conejo , del artista Juan Carlos Prieto . La muestra, que podrá visitarse hasta el 1 de agosto, ha recibido una cálida acogida tanto por la calidad de las obras como por el ambiente cercano y emotivo de la apertura. La presencia de los familiares de Juan Carlos Prieto aportó un toque muy personal, haciendo de la inauguración un momento memorable para todos los asistentes. María Esteve y Lucas Selezio de Souza participan en la XXV edición del Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo (EAC 2025) , una muestra que se celebra en el Museo de la Universidad de Alicante (MUA) gracias a la colaboración entre la Universidad de Alicante y la Diputación de Alicante, a través del Instituto Alicantino de Cultura “Juan Gil Albert” y que podrá visitarse hasta el 20 de julio de 2025 en la Sala CUB del Museo de la Universidad de Alicante (MUA). Sus obra forman parte de las 25 propuestas seleccionadas por el jurado, que recogen una amplia diversidad de técnicas y temáticas actuales. Pieza textil de Lucas Selezio de Souza que formó parte de la muestra, Plus Ultra , expuesta en Navel Art. La exposición incluye trabajos de pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo e instalaciones, todas ellas atravesadas por una fuerte carga reflexiva en torno a problemáticas sociales, políticas, medioambientales y vitales. En este marco, la participación de María Esteve y Lucas Selezio de Souza aporta una perspectiva comprometida con las prácticas artísticas contemporáneas, desplegando obras que dialogan con las temáticas sociales, territoriales y críticas que definen el enfoque creativo de Alumbra Rural. Además, María Esteve ha participado en la exposición colectiva organizada por Fundación AZAR , fruto de su participación en el Programa de Residencias de la misma entidad. Esta muestra, que ha tenido lugar los días 18 y 19 de junio en Madrid, presentó los resultados de los procesos de investigación y creación desarrollados por los y las residentes. Junto a ella, participaron sus compañeros de residencia: Florencia del Campo, María Gallemí, Mireya Hernández, Manuel Nieto y Gonzalo Quincores, conformando un conjunto de propuestas diversas que dialogan desde distintas disciplinas y enfoques con los imaginarios contemporáneos. También Lucas Selezio de Souza ha figurado entre los finalistas de la convocatoria Miquel Casablancas 2025 y forma parte de la exposición colectiva Las flores que crecen en el abismo que soy , organizada por Sant Andreu Contemporani (SAC) . La muestra fue inaugurada este jueves 12 de junio de 2025, con entrega de premios a continuación, y permanecerá abierta al público hasta el 20 de julio de 2025 en la segunda planta del Fabra i Coats – Centre d’Art Contemporani de Barcelona Esta exposición reúne once propuestas finalistas que exploran identidades disidentes, materiales híbridos y universos queer y transculturales. En palabras de SAC, "Son flores que anticipan un nuevo mundo… se autoconstruyen desafiando todo orden natural, todo origen” . La participación de Selezio de Souza en este compendio de sensibilidades emergentes refuerza su compromiso con las formas artísticas contemporáneas y su presencia en el discurso cultural del arte emergente.

Con una mirada cargada de memoria y simbolismo, Nené Rodríguez regresa a su ciudad natal para presentar La casa, la liebre y la niña , una exposición que verá la luz el próximo 5 de julio en la Galería Estudio Gabriel Sosa , en el marco del ciclo de exhibiciones del programa Alumbra Rural . Comisariada por Rafael Jiménez Reyes , la muestra se adentra en la ambivalente naturaleza del hogar: un espacio que puede ser tanto refugio como prisión emocional. Lejos de limitarse a una visión física de la casa, la exposición se construye como un recorrido simbólico que entrelaza la memoria familiar, el deseo de protección y las tensiones de pertenencia. “El hogar es ese sitio donde creemos estar a salvo, pero también puede convertirse en un lugar que nos marca, nos cohíbe, y a veces, nos atrapa” , explica Rafael. A través del dibujo, el grabado, la cerámica, la fotografía y la intervención en sala, Nené configura una poética visual profundamente introspectiva. Para el comisario, “la obra de Nené explora con honestidad y sensibilidad las huellas del tiempo, la memoria heredada y la tensión entre el cobijo y el encierro”. Desde esta perspectiva, la artista dialoga con referentes como Louise Bourgeois o Georges Perec , mientras construye su propio lenguaje visual sobre el arraigo, el conflicto íntimo y la huida. En esta lectura simbólica, la liebre representa la libertad y la fuga frente a las inercias familiares, mientras la niña encarna al espectador, incitado a explorar su mundo interior. “Nené nos invita a ser liebres: a escurrirnos entre la maleza, a no ser presa de la casajaula, a escapar incluso de lo que creemos que somos” , subraya el comisario. Rafael ha acompañado el proceso de creación de la exposición, aportando una mirada crítica y cercana que refuerza la coherencia conceptual. “La casa puede ser refugio, laberinto o jaula, todo al mismo tiempo” , resume, dando sentido a un proyecto que invita a pensar desde lo íntimo y lo compartido. La exposición es también una experiencia sensorial: “La cerámica, el dibujo o el libro de artista se presentan aquí no como medios neutros, sino como soportes cargados de memoria, tacto y vulnerabilidad” , añade Rafael. Cada obra se convierte en una habitación habitada por recuerdos, afectos y tensiones. Nacida en 1997, Nené Rodríguez se formó en Bellas Artes en Madrid y Granada. Su trabajo se ha centrado en la gráfica contemporánea, el dibujo y la investigación en torno a la memoria. Ha participado en residencias artísticas y recibido diversos reconocimientos, como la mención especial José Carralero y su reciente selección en la XI edición de los Premios Mujeres en el Arte Amalia Avia . El regreso de Nené Rodríguez a Talavera de la Reina añade una capa de sentido especialmente resonante. Gracias al marco del programa Alumbra, que busca dar visibilidad al arte emergente en contexto rural, la muestra convierte a Talavera no sólo en punto de partida biográfico, sino en territorio de reflexión y memoria.

La artista Nerea Rodríguez – conocida artísticamente como Nené Rodríguez – , integrante del programa Alumbra, ha sido seleccionada en la XI edición de los Premios y Muestra Mujeres en el Arte Amalia Avia , organizada por el Instituto de la Mujer de Castilla-La Mancha  y la Consejería de Igualdad . Esta importante convocatoria reconoce y visibiliza el talento de mujeres artistas de la región, y cada año premia obras en distintas disciplinas como pintura, escultura o arte digital. En esta edición, la obra de Nené ha sido una de las seleccionadas para formar parte de la exposición itinerante, que arranca el próximo 5 de junio en el Museo Taller del Moro de Toledo , donde podrá visitarse hasta el 29 de junio , coincidiendo con la ceremonia de entrega de premios. La muestra, comisariada por la reconocida crítica y comisaria de arte Isis Saz , recorrerá posteriormente diversas provincias de Castilla-La Mancha a lo largo del año. Nerea Rodríguez (Talavera de la Reina, 1997) está graduada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y cuenta con un máster en Dibujo, Cómic e Ilustración por la Universidad de Granada. Su práctica artística se centra en explorar el concepto de “casa” como espacio emocional y simbólico, y trabaja con técnicas como el dibujo, el grabado y materiales como la tinta china, el barro o la ceniza. Nerea presentará su exposición individual La casa, la niña y la liebre   del 5 de julio al 1 de agosto de 2025  en la Galería Estudio Gabriel Sossa  (Talavera de la Reina, Toledo), dentro de la programación de Alumbra. Esta muestra ahonda en su universo creativo, en el que convergen la memoria, el cuerpo y el territorio a través de una estética íntima y profundamente arraigada. Desde Alumbra, celebramos este reconocimiento a Nerea como un reflejo del compromiso, la sensibilidad y la potencia creativa de las artistas rurales. Más información: Nerea Rodríguez en Alumbra XI Premios Mujeres en el Arte – Instituto de la Mujer CLM

¿Quién no ha abierto una vieja lata de galletas para encontrar antiguas fotos familiares? Juan Carlos Prieto , artista y natural de Montalbo (Cuenca), ha hecho precisamente eso para construir su nueva exposición Desde los ojos de un conejo , que podrá visitarse del 7 de junio al 1 de agosto en la Oficina de Castilla-La Mancha en Madrid , situada en plena Gran Vía. Una propuesta íntima y emocional que invita a recorrer los senderos de la memoria rural desde la pintura. La muestra, comisariada por Daniel Silvo dentro del programa Alumbra, nos invita a mirar con otros ojos esas estampas de la llamada España vaciada . Con un trazo pictórico "vibrante y desdibujado", como lo define Silvo, el artista no pretende reproducir fotos, sino algo mucho más escurridizo: la memoria. "Lo esquiva que es la memoria, lo poco precisos que son nuestros recuerdos de la infancia" , comenta el comisario. El propio título de la exposición contiene una clave simbólica esencial. El conejo, animal que según los romanos dio nombre a Hispania, sirve como símbolo de una perspectiva . "Es un animal que observa desde la periferia, desde el escondite, que permanece en silencio, vulnerable pero en alerta” , explica Prieto. Y añade: “Esa es también la forma en que entiendo la memoria: no como un relato central, sino como una presencia que persiste desde los márgenes” . Pintar desde los ojos de un conejo  es asumir una mirada baja, silenciosa y no invasiva sobre el pasado. Las pinturas, desdibujadas y vibrantes, no pretenden ofrecer certezas. Las escenas que pinta Juan Carlos —una pandilla de amigos, un burro, una tarde junto al río— no solo hablan de su propia historia, sino también de una memoria colectiva. "Todos podríamos reconocer, en esas pinturas, los rostros de alguien a quien echamos de menos" , destaca el comisario. La mirada de Juan Carlos hacia la España vaciada no cae en la nostalgia. Es una mirada política, aunque sin alardes ni dramatismos. Como él mismo señala, “la España vaciada no es solo un problema demográfico: es una herida cultural. Un desgarro en el mapa que dejó huellas imborrables en quienes partieron y en quienes se quedaron” . Desde esa conciencia, sus pinturas evocan una forma de resistencia. “En estas obras la memoria no es ruina, sino resistencia. No es nostalgia, sino testimonio” , afirma el artista. Esta exposición marca el inicio del ciclo de exposiciones y exhibiciones que recorrerá distintos espacios culturales de Castilla-La Mancha a lo largo de los próximos meses, presentando el trabajo desarrollado por los 19 artistas participantes en la primera edición de Alumbra. Culminaremos en octubre con una gran muestra colectiva en el Museo Provincial de Albacete . La muestra se presenta en la Sala de Exposiciones de la Oficina de Castilla-La Mancha en Madrid (Gran Vía, 45), un escaparate privilegiado para la creación contemporánea vinculada a la región. Situada en pleno centro de la capital, esta sala ofrece un entorno accesible y abierto al diálogo entre el arte emergente y el público, reforzando así el compromiso institucional con la visibilización del talento joven castellanomanchego.

Zhenxiang Zhao realiza dos performances en Granada, Maria Esteve inaugura exposición en Langreo y Julia Alfaro abre puertas del su taller en Fresca. Zhenxiang Zhao, en colaboración con sus partners, llevará este 14 de mayo la performance Máquina Tierna , en el Centro José Guerrero de Granada . Es una de las actividades culturales programadas en el marco del Festival FACBA 25. Esta propuesta es fruto de la estrecha colaboración con el centro y la sección de Artes Plásticas de la Delegación de Cultura y Educación de la Diputación de Granada. Una intervención presentada en el marco del Día Internacional de los Museos.   Este trabajo dialoga con la colección José Guerrero, nuestra experiencia con ella como público, y la arquitectura de Antonio Jiménez Torrecillas. A través de distintos recorridos por las plantas del museo —Frescos portátiles, Construir sobre lo construido, Máquina Tierna y Un mirador en una ciudad de miradores— exploran la relación entre cuerpo, arquitectura y tecnología. La propuesta investiga cómo los museos influyen en sus creaciones y cómo, a la manera de átomos que se atraen, cuerpo y arquitectura pueden bailar juntos.  Por otro lado, el pasado 3 de abril, Zhenxiang presentó Omina en el Palacio del Almirante, una performance en vivo que entrelaza tecnología, danza y música para explorar el retorno de la conciencia a través del reflejo. Las visuales generadas en tiempo real por Victoria Gómez mediante video-feedback crean fractales que responden al movimiento, revelando patrones entre cuerpo, naturaleza y cosmos. La música de Ricardo Arrescurrenaga usa las notas para construir arquitecturas invisibles inspiradas en espacios sagrados. Zhenxiang Zhao, Fer Silvestre y Ayran Oliveira encarnan esta sinergia en escena, fusionando lo ancestral con lo digital. Omina propone un ritual contemporáneo donde lo tecnológico se vuelve orgánico y la experiencia, un símbolo compartido.  María Esteve , por su parte, inaugura este 16 de mayo su exposición Cartografías convergentes , que ganó el Premio del Certamen de Artes Plásticas Art Nalón 2024. La exposición se podrá ver en la Casa de Cultura Escuelas Dorado de Sama (Langreo), hasta el 27 de junio. En palabras de Maria: " Cartografías Convergentes propone una arqueología de lo invisible, donde el cuerpo que camina y observa se convierte en testigo. El paisaje habla, y yo recojo su voz. La naturaleza se revela como archivo, y el caminar como herramienta de creación. Es un viaje de inmersión, escucha y contemplación. Mirar el paisaje con asombro, como lo hacíamos en la infancia, nos permite recuperar esa conexión profunda que el tiempo diluye. Cada fragmento es una impronta del tiempo. Las marcas acumuladas bajo nuestros pies recuerdan que estuvimos allí. ¿Cómo honrar lo desaparecido? ¿Cómo registrar lo intangible? Esta investigación es también un intento de reconciliación: con la Tierra, con nuestros antepasados, con nuestra forma de habitar" Por otro lado, el mismo 16 de mayo Julia Alfaro abre las puertas de su taller en el seno de su residencia en Fresca. Mostrará el proceso de su proyecto Qué es el campo / no sé qué es el campo , impulsado por Alumbra. Durante los meses de residencia en Feesca, Julia ha podido seguir desarrollando este proyecto que se inició en nuetsro programa y que plantea distintos procesos de investigación cerámica.

Nos complace anunciar que Alumbrar Rural  ha sido seleccionado para participar en el VIII Foro Cultura y Ruralidades , un espacio clave para la reflexión y la acción en torno a la cultura en entornos rurales. Organizado por la Dirección General de Derechos Culturales , a través de la Subdirección General de Cooperación Cultural con las Comunidades Autónomas , este foro reúne proyectos culturales que trabajan desde y para el medio rural, fomentando la colaboración, la visibilización y el intercambio de experiencias. Además, esta edición del foro forma parte del camino hacia MONDIACULT 2025 , la Conferencia Mundial de la UNESCO sobre Políticas Culturales y Desarrollo Sostenible, que se celebrará en Barcelona del 29 de septiembre al 1 de octubre de 2025. De esta manera, el evento contribuirá a la construcción de una agenda global de la cultura y al seguimiento de los avances en materia de derechos culturales y cumplimiento de la Agenda 2030 . Para Alumbrar Rural , esta selección representa una oportunidad única para seguir consolidando nuestro trabajo, compartir nuestras experiencias y establecer nuevas alianzas en el ámbito de la cultura y el desarrollo sostenible en entornos rurales. Agradecemos el apoyo de nuestra comunidad y de todas las personas que hacen posible este proyecto. ¡Nos vemos en el foro!

Nos alegra anunciar que Alumbrar Rural  ha sido incluido en el Observatorio de Cultura 2024 , como LO MEJOR DE LA CULTURA 2024, un reconocimiento que refuerza nuestro compromiso con el desarrollo cultural en entornos rurales. El Observatorio de Cultura , elaborado por la Fundación Contemporánea, es un referente en el análisis de las iniciativas más destacadas del panorama cultural en España. Su selección reconoce proyectos innovadores, sostenibles y con impacto en la sociedad, y este año Alumbrar Rural forma parte de este prestigioso listado. Este reconocimiento visibiliza nuestra labor en la descentralización de la cultura y en la creación de oportunidades para las comunidades rurales. Seguimos trabajando para acercar el arte y la cultura a estos territorios, fomentando la participación, la creación y la profesionalización de sus agentes culturales. Agradecemos a todas las personas, instituciones y colaboradores que forman parte de este proyecto. ¡Seguimos alumbrando el camino de la cultura en el mundo rural! LINK A DOCUMENTO: https://www.sansebastianfestival.com/admin_img/documentos/observatorio-de-la-cultura-2024.pdf

Por iara Solano Arana Toda relación tiene una dimensión ética, pero como artistas no tenemos a veces la experiencia o las herramientas necesarias para un mejor y más justo desarrollo de nuestras prácticas colaborativas con las comunidades, con nuestras cómplices, con los públicos, y con el entorno. Como creadora relacional, y especialmente como transmisora de mi práctica, he sentido la necesidad inaplazable de elaborar y compartir en Alumbra una especie de guía de principios y herramientas que nos permitan analizar, repensar y monitorizar nuestros proyectos dentro de un marco más reflexivo y sensible que nos ayude a alinear de forma más coherente nuestros medios con nuestros fines.  A medida que la ideología neoliberal ha ido transformando nuestros gobiernos y nuestras prácticas sociales, la presión ha ido aumentando por parte de los aparatos administrativos para imponer nuevas obligaciones sociales a los artistas. A lo largo de mi carrera he podido observar empíricamente esta instrumentalización, primero en Reino Unido, y arraigando después con fuerza en España hace poco más de una década. Como quien dice habiéndolo visto venir , en la actualidad los artistas están siendo seducidos y sometidos por el auge de políticas culturales que redefinen el valor del arte exclusivamente como herramienta para la transformación social. Estas fuerzas coercitivas afectan a las artes escénicas en particular por ser eminentemente relacionales ya que no solo requieren de equipos colaborativos de perfiles diversos para el desarrollo de su actividad, sino que el resultado es compartido con la sociedad en un vivo participado. El arte escénico siempre ha mirado otras realidades y ha escuchado otras voces para construir sus relatos, es un arte-en-relación que tiene al “otro” en cuenta, que no lo obvia (o no debería hacerlo) en ninguna de sus fases. Es por eso que es la forma artística en principio más lógica para posibilitar una transformación social orgánica, a través de la colaboración y del diálogo implícito en su naturaleza, o explícito en algunos de sus formatos expandidos. El engagement (compromiso, relación) ha superado el mero “encuentro con el público” tras la función, para ir complejizándose y ampliándose hasta ser superado por el outreach (trabajo con la comunidad), que es lo que se exige de manera habitual hoy en día al artista que aspira a captar recursos, no solo de las administraciones públicas, sino también de las fundaciones y entidades privadas. Los gobiernos y administraciones se siguen librando progresivamente de parte de sus obligaciones sociales, y este traspaso de responsabilidades a los creadores supone un sobreesfuerzo y un riesgo ya que no se acompaña ni con una ampliación de fondos ni con una formación o guía específica, con las consecuencias negativas, conscientes o inconscientes, que esto puede y suele tener: apropiación cultural, instrumentalización de la colaboración, abusos  de poder, capitalización de experiencias y realidades ajenas de colectivos y personas vulnerables que nunca llegan a beneficiarse de los recursos captados en primera instancia.  Por otro lado, también es cierto que actualmente hay una toma de conciencia real más o menos generalizada entre la comunidad de creadoras, de que debemos asumir cierto compromiso para contribuir al cuidado de nuestro entorno ecosocial, en vistas a imaginar y crear un futuro más deseable. Más allá de las imposiciones hay un deseo auténtico de contribuir al bien común, pero hemos de encontrar maneras reflexivas y coherentes de canalizarlo. El derecho a la cultura es un derecho de participación y agencia activa, y es de celebrar que cada vez más artistas sientan el empeño de promover la participación activa de otras voces y realidades a la hora de elaborar sus relatos, pero igual de importante o más es cómo lo hacemos. Es por esto que decido activar el debate ético con los jóvenes artistas de Alumbra Rural 2024, compartiendo y considerando el manual que he ido elaborando a lo largo de los últimos años. El arte relacional es un lugar prolífico para abrir y transitar nuevos marcos éticos y sensitivos, un medio necesario pero delicado, y por ello debemos ser honestas a la hora de analizar si estamos responsabilizándonos y cuidando de los espacios que abrimos al acercarnos a ciertas realidades y temáticas. Hemos de ser conscientes de los sesgos, privilegios y relaciones de poder que se dan de partida en nuestras prácticas y proyectos, que nunca deben convertirse en espacios extractivistas sino en espacios seguros generadores de experiencias recíprocas, desde la ética de la atención y el cuidado.

Zhenxiang Zhao inaugura exposición en la Swinton Gallery de Madrid, María Esteve ha sido seleccionada para una residencia en La Casa Móvil, Julia Alfaro gana la convocatoria Brota de Fresco, Clara Ballesteros forma parte de las residencias Cambalache y Lucas Selezio inaugura exposición en Navel, dentro del programa Cópula. Zhenxiang Zhao inaugura este 28 de febrero una serie de piezas recientes en la Swinton Gallery de Madrid. En el mismo espacio, el 7 de marzo a las 12.30h presentará también una performance que dialoga con las piezas, que ha titulado La Primera Boda Homosexual de China . Estos trabajos han sido desarrollados durante la residencia artística en el Centro de investigación y producción de Arte Contemporáneo (R)utopía, entre noviembre y diciembre de 2024, organizado por Nigredo , en Cehegin (Murcia). En este proyecto, Zhenxiang se centra en el tema de la identidad periférica, la resiliencia y lo queer.  María Esteve , por su parte, a finales de este mes comienza una residencia en La Casa Móvil , un espacio de creación y arte en el medio rural. Estará del 28 de febrero al 2 de marzo, y el proyecto que va a desarrollar, en sus propias palabras: " me permite descubrir, ampliar los límites tradicionales. Documento y registro cuidadosamente las acciones y los procesos de exploración del territorio [...] Reúno diversos registros que hacen referencia y simulan la piel de la Tierra, transmitiendo las emociones que estos lugares me han evocado”. Por otro lado, el proyecto de Alumbra Qué es el campo / No sé qué es el campo , de Julia Alfaro ha sido seleccionado en la convocatoria Brota , para la investigación y producción de proyectos, por lo que la artista podrá seguir desarrollando su trabajo durante tres meses en Fresca. la nave. Otra noticia de este mes es que Clara Ballesteros ha sido seleccionada con su proyecto Obsolescencia programada , para formar parte de las residencias Cambalache que organiza Navel para jóvenes compañías. Se trata de un programa de acompañamiento para compañías y artistas escénicos que ofrece un espacio de investigación y creación. Próximamente tendrá lugar un ensayo abierto en el que Clara podrá mostrar parte de su trabajo. Por último, Lucas Selezio ha inaugurado exposición en Navel , en el marco de Cópula , programa de investigación y creación contemporánea. La exposición, Plus ultra , se podrá visitar hasta el 21 de marzo. En este trabajo, el uso de técnicas analógicas y mecanizadas como el bordado y el appliqué, y de materiales textiles, hace eco de su temática, proponiendo un metalenguaje del textil. Este trabajo en las fronteras refleja una preocupación contemporánea por recuperar haceres tradicionales que entraron en desuso a la medida en que se automatizaron y abarataron los procesos de producción textil. ¡Enhorabuena a todas!

Este mes, la artista argentina Milagro Tejerina ha impartido un taller online sobre el trabajo con fieltro a nuestras artistas, donde han podido conocer su increíble trabajo y experimentar ellos mismos la técnica. Milagro Tejerina , natural del Parque de Jujuy en Argentina, es maestra en el trabajo con fieltro. Durante su taller, nos ha hablado de este textil no-tejido , el más antiguo que conoce la humanidad. Como nos explica la artista, se trata de un textil que se remonta a las primeras culturas neolíticas. Se dice que su conocimiento es anterior al hilado e incluso al del tejido.  Este material milenario que se obtiene a partir del vellón de la oveja no se teje sino que se trabaja de diferentes formas con las que se pueden obtener múltiples objetos dentro del ámbito artesanal como industrial. El fieltro es ecológico, biodegradable, no se mata al animal para sacarle la lana (como sí pasa con el cuero), ayuda como aislamiento (protege del calor y del frío) y es hasta cierto punto resistente al agua. Es muy versátil a la hora de diseñar objetos por su maleabilidad y por sus propiedades.  Durante el taller, Milagro nos ha dado a conocer las técnicas fundamentales para la creación de objetos en fieltro, tanto húmedo como seco, aplicando principios ecológicos y de reutilización de materiales en la práctica textil. Durante las prácticas del taller, los y las artistas del programa Alumbra han podido experimentar con este material y elaborar un paño, bordados planos , así como objetos tridimensionales. Algunas de las prácticas fruto del taller con Milagro Tejerina.

por carlos tuñón un artículo como un mapa sin puntos seguidos ni mayúsculas ni párrafos separados sin jerarquía de temas ni dirección de la mirada sin comas un artículo como experiencia como mapa de posibilidades sin un centro claro como un viaje por el que transitar sin esperar grandes hallazgos como artistas moviéndose a la periferia repensando el ser artistas un artículo para repensar nuestra relación con los entornos con las residencias artísticas con irnos al campo a descansar por fin de la urbe para salir del centro pero continuar nuestras prácticas del centro y no compartir espacio ni tiempo con los que residen allí que no nos molesten que hemos venido a descansar a hacer nuestro arte y volver a la ciudad donde las cosas importan repensar esta idea extractivista de artistas yendo a un sitio que no conocen a sacar algo de provecho y que aumente el rendimiento para poder nombrarlo en el curriculum paraísos residenciales artificiales nómadas artesanales que no devuelven nada que no generan ninguna conversación que no dejan huella de su paso por la periferia turistas de la moral pero cómo intervenir sin extraer cómo pensar en elaborar experiencias que generen un vínculo entre el arte y la vida el arte como vivencia y como acontecimiento cómo construir una comunidad temporal que genere una experiencia compartida realmente compartida cómo compartir nuestro tiempo y nuestras posibilidades cómo no construir un objeto acabado que mostrar en un escaparate en un contenedor cultural de consumo inmediato donde poder verlo una y otra vez sin que sufra ningún cambio sabiendo que el modelo tradicional garantiza que espectadores de diferentes edades y lugares vean el mismo producto sin alteraciones donde el marco no modifica nada ni la interacción de quien habita allí y pensar en el espacio como la superficie de un mapa artistas yendo a un pueblo a hacer cosas que no saben hacer a comprender algo nuevo a entender que nada de lo que traigan es más valioso de lo que pueden experiencia allí y que el valor puede medirse con otros baremos otras lógicas la lógica de la vivencia del intercambio el medio artístico como un acto físico corporal no solo un campo mental de ideas que tienen que ser comunicadas sino que puede ser tiempo compartido y tiempo inútil tiempo no productivo no lineal tiempo muerto no práctico no moral no monumental no arquitectónico no duradero no separados de la existencia cotidiana sin conexión con la realidad cotidiana como si el arte tuviera que ver exclusivamente con el mundo de las ideas y no con los deseos y comportamientos de los habitantes del mundo de los que están allí en la tierra realmente allí el acontecimiento el evento que no soluciona ningún problema que no sirve para nada sino que es la aceptación de que otros mundos son posibles contextos donde puede haber una reinterpretación de conceptos como libertad y permiso donde relacionarnos de maneras nuevas e inesperadas donde tensionar la reproducción mecánica del sistema donde todo se enseña de la misma manera independientemente de la persona que tienes delante olvidar la masa la homogeneización el lugar común pensar en que somos individuos diversos en una comunidad efímera generar algo fugaz que nadie puede adquirir mediante la compra ni meterlo en una caja fuerte ni colgarlo en su sala de estar pensar que puedo acceder al arte independientemente del dinero que tenga en mi cuenta corriente habitar no-lugares donde ocurran interrelaciones múltiples no impuestas no esencialistas no apropiadas no convenidas de antemano plantear el espacio como un horizonte de significados múltiples donde coexisten múltiples narrativas y el tiempo como algo irreversible irrepetible no cuantificable no reproducible abogar por las discontinuidades los saltos las inadecuaciones las ausencias los tiempos muertos por una nueva temporalidad múltiple y heterogénea por el tiempo compartido el tiempo de la experiencia en la vida el tiempo del acontecimiento de la eventualidad el tiempo del devenir abierto como resistencia a lo controlado a lo vigilado a lo convencional a lo lógico a lo tradicional al producto acabado al producto que no está en proceso que no está ocurriendo un desafío al programa a lo previsible y por lo tanto un enriquecimiento y un agrandamiento de la realidad como la percibimos BIBLIOGRAFÍA BOURRIAUD, Nicolas, Esthétique relationnelle. (1998). ENRILE ARRATE, Juan Pedro. Teatro Relacional. Una estética participativa de dimensión política (2016). FISHER LICHTE, Erika.  Estética de lo performativo  (2004). LEHMANN, Hans-Thies. Teatro Postdramático  (1999). NANCY, Jan-Luc. Ser singular plural . (2018). SCHECHNER, Richard. Environmental Theater (1973). VAN GENNEP, Arnold. Los ritos de paso  (1909).